C’è questo giochino, Plants vs. Zombies, che è uno degli esempi più ricorrenti sia di gioco casual di qualità sia di gioco di qualità per iPhone. La produttrice del gioco, Popcap, è a sua volta diventata sinonimo di software house “casual” che anche i videogiocatori appassionati amano. Popcap aveva inserito, come omaggio a Michael Jackson, un Dancing Zombie vestito come Jackson nel video di Thriller. Certo, Plants vs. Zombies è uscito un mese prima della morte di Jackson, quindi magari a vederlo oggi uno zombie con le fattezze del re del pop un poco ti fa impressione. Più che un omaggio, oggi è tecnicamente una rappresentazione realistica.

Si trattava comunque di una citazione innocente, un dettaglio da nulla. Le sanguisughe che gestiscono l’eredità di Michael Jackson, però, non la pensano così, e hanno costretto Popcap a rimuovere lo zombie-Jackson dal gioco nell’ultimo update del gioco rilasciato un paio di giorni fa. Secondo Popcap si è trattato di una “business decision” (traduzione: “se non avessimo rimosso il personaggio ci avrebbero fatto pagare un paio di fantastilioni di dollari”).

Tutto come al solito, quindi: la famiglia di Michael Jackson è ormai da decenni un esempio di famiglia da incubo. Un gruppo di orribili, avidi individui sempre pronti a scannarsi l’un l’altro pur di accedere ai dobloni. Roba che al confronto Courtney Love sembra una persona dignitosa…

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C'era una volta un bambino in un bosco...

Limbo comincia in un’ambientazione fiabesca, con un bimbo che si sveglia in un bosco buio e ostile. Chiunque abbia letto delle fiabe sa che un’ambientazione fiabesca non vuol dire animali puccettosi e fatine allegre: vuol dire bambini che si confrontano con la morte, mostri e un generale senso di oppressione. Fino a una settantina di anni fa gli adulti non erano così stupidamente iperprotettivi nei confronti dei bambini: sapevano che le fiabe sono un modo di spiegare e presentare le paure, e che lupi, orchi o boschi non sono altro che metafore della morte.

In Danimarca, poi, c’è una solida tradizione di scrittura di storie per fare cacare sotto i bambini. Del resto, è la patria di Hans Christian Andersen. E Limbo, dei danesi Playdead, continua questa tradizione. In Limbo c’è la stessa sensazione di mistero che si trova in molte fiabe classiche. Il bambino di Limbo affronta pericoli, nemici e ambientazioni ostili in un silenzio quasi totale. Non ci sono dialoghi e quasi nessuna musica. C’è un bianco e nero suggestivo come si è visto in pochissimi videogiochi. C’è narrazione, e non vi dico di più perché ve la dovete gustare da soli. Ma è una narrazione suggerita più che spiegata. Niente cerebralismi e complesse simbologie alla Braid, però. Qui siamo dalla parte dei primi due Oddworld o di Another World, non a caso veri e propri padri putativi anche delle meccaniche di Limbo.

Come nei classici di cui sopra, si corre da sinistra verso destra, ci si arrampica e si interagisce con l’ambiente. A rinfrescare le meccaniche di una decina d’anni ci pensa la simulazione fisica. L’intelligenza del level design fa il resto. Gli enigmi ambientali sono raffinatissimi, naturali e difficili esattamente il giusto. A volte si impara morendo (con delle animazioni di morte deliziosamente sconcertanti), ma è tutto mitigato dal fatto che si ricomincia a pochi metri di distanza.

Limbo vincerà non pochi premi come gioco scaricabile dell’anno. È breve e intenso: un gioco per videogiocatori pensanti. E per chi, da bambino, si è domandato cosa si provi a svegliarsi e trovarsi soli in un bosco, circondati di ombre e silenzio…

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Ehi, basandomi sulla sua espressione in questa foto potrei scrivere un articolo sostenendo che Jerry Lawton è un pedofilo!

Questa è la storia di un uomo di merda, di un colosso del videogioco e di una tragedia nazionale.

All’inizio di luglio Raoul Moat, un pregiudicato trentasettenne di Newcastle (UK), recentemente uscito di prigione, si arma di un fucile a canne mozze e attacca la sua ex ragazza, il nuovo compagno di lei e un agente di polizia. Il compagno della donna muore, gli altri due restano gravemente feriti. Dopo questi attacchi, parte la caccia all’uomo.

Moat viene braccato dalla polizia in una delle più vaste operazioni mai compiute in Gran Bretagna. Per una settimana si accalcano notizie, appelli, arresti di possibili complici. Le TV fanno dirette, speciali ed edizioni straordinarie. Durante la fuga Moat fa una rapina, lascia lunghe lettere indirizzate ai media e tenta di far perdere le proprie tracce vagando nella campagna inglese. Il dieci luglio la polizia individua Moat e lo circonda. Dopo sei ore di tensione e trattative, Moat la fa finita e si ammazza con un colpo di fucile.

Dopo questo avvenimento tragico, il cosiddetto “giornalista” e uomo di merda Jerry Lawton ha scritto un articolo per il giornalaccio di quart’ordine Daily Star, in cui riporta la notizia che Rockstar sarebbe al lavoro su un episodio di Grand Theft Auto basato su Raoul Moat. La fonte? Un’imagine malamente phoshoppata della copertina di GTA con immagini relative a Moat trovata su internet. Ad aggiungere infamia all’uomo di merda Lawton c’è il fatto che questo subumano ha anche avuto il coraggio di chiedere alla nonna di una delle vittime cosa ne pensasse dell’esistenza di un gioco basato sulla tragedia.

Come c’era da aspettarsi Rockstar si è incazzata non poco. Il Daily Star ha dovuto rettificare l’articolo con una delle più umilianti rettifiche che io abbia mai letto, e ha dovuto anche cedere a Rockstar una “ingente quantità di denaro”, che Rockstar devolverà in beneficienza.

Dopo tutta questa storia penserete che l’uomo di merda Lawton abbia almeno espresso un pizzico di rammarico per avere scritto falsità e avere sfruttato le vittime di una tragedia. Sbagliato. Dalla sua pagina di Facebook, l’uomo-merda si è detto “stupito dalla furia dei giocatori adulti. Questi sarebbero uomini adulti (?!?) che di solito stanno seduti tutto il giorno a giocare videogiochi fra di loro e che oggi decidono di entrare nella realtà giusto il tempo di criticare il mio pezzo sulla versione dedicata a Raoul Moat di Grand Theft Auto! Neanche avessi negato l’Olocausto!!! Credo che li sfiderò a un duello in realtà virtuale… attacco… ho vinto!!!”

No, Jerry Lawton. Non hai vinto proprio una fava.

fonti: destructoid (1 e 2), rockpapershotgun

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Questo preambolo serve a presentare una di quelle nerdate che voi, cari lettori, amate tanto: Zelda ricreato con la carta! Ebbene sí, un tizio ha ricreato alcune scene di Zelda utilizzando figurine di carta e animandole in stop-motion. Il risultato finale ricorda un po’ i cartoni animati svedesi di cui vi parlavo. Di seguito trovate il video di Zelda on Paper, e anche un esempio di strano cartone animato finlandese (ma doppiato in svedese, non preoccupatevi) giusto per farvi morire di invidia nei confronti dei nostri fortunati cugini scandinavi. E trovate anche Worker and Parasite, che è il mio cartone preferito di tutti i tempi. Endut! Hoch Hech!

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In questi giorni è arrivata la ciliegina sulla torta. Secondo quanto riportato da Gamasutra e Kotaku, Rockstar ha licenziato una quarantina di impiegati che hanno lavorato su Red Dead Redemption. Il motivo è che, una volta lanciato il gioco, passerà un po’ di tempo prima che sia necessario avere così tante persone al lavoro. Quindi, snip!, licenziati. Il manager di Rockstar San Diego, Steve Martin, ha dichiarato:

“Com’è tipico nello sviluppo dei videogiochi, le dimensioni del nostro team hanno sempre fluttutato a seconda del ciclo di sviluppo. Mentre Rockstar San Diego passa dal lancio di Red Dead Redemption a nuovi progetti futuri, riallineamo le nostre risorse per continuare a sviluppare giochi nel modo più efficiente possibile.”

Insomma, tutto “tipico“. Certo non è chiaro perché, se le dimensioni del team variano così tanto, le software house non assumono con contratti temporanei, invece di assumere normalmente e poi licenziare in massa. O perché non pensino a cicli di sviluppo che non si basino su mesi di straordinari seguiti da licenziamenti in tronco. Così com’è, a voler pensar male, sembra quasi che Rockstar San Diego abbia assunto gente, l’abbia spremuta fino all’osso e poi, dopo che questa gente ha creato un gioco che ha venduto sei milioni di copie, l’abbia licenziata alla prima occasione. A voler pensar male, eh.

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Ci sono dei limiti, però. Io, ad esempio, posso anche essere assuefatto a marines spaziali e gente che usa spade lunghe un metro e ottanta. Però quando ho giocato al demo di Blur sono rimasto sbalordito. Chiariamoci: questo post non vuole essere un giudizio su Blur, che magari è il gioco più bello dall’invenzione del joypad. È un giudizio sul demo.

Blur è un gioco di corse ambientato in città dall’aspetto realistico e che utilizza auto realmente esistenti. Prima di giocare il demo avevo sentito, in alcuni podcast, che Blur è un gioco più simile a Mario Kart che a Burnout. Pensavo fosse una fantasiosa metafora. No, Blur è veramente Mario Kart con una grafica realistica e auto su licenza.

Le meccaniche del gioco paiono abbastanza divertenti. Il problema è che quando ho provato il demo la sensazione di demenzialità è stata così forte che non riuscivo a credere che qualcuno avesse veramente approvato questo progetto. In pratica stai lì su una Audi TT, a correre contro altre auto in questa ambientazione notturna e metropolitana e… tutto ad un tratto ti rendi conto che la tua Audi TT può sparare palle di energia. No, davvero. Raccogli un power up ed ecco la palla elettrica. Ne raccogli un altro ed ecco che hai la bomba energetica da lasciare sul tracciato. E così via.

Non si tratta di qualcosa come Twisted Metal, in cui ci sono auto con armi montate sul cofano. No, qui le auto sparano onde energetiche come manco un Super Sayan senza alcuna giustificazione. Evidentemente gli sviluppatori a un certo punto si sono accorti che il loro gioco era uguale al novantacinque percento degli altri giochi di corse e hanno deciso di aggiungere bombe, scudi e palle energetiche.

L’impressione, alla fine, è surreale: a mio parere, una delle più lampanti dimostrazioni di quanto i videogiochi possano essere idioti. Blur sembra un Mario Kart sviluppato appositamente per i decerebrati che non toccherebbero mai a Mario Kart perché “è un gioco per bambini”. Certo, perché una BMW M3 che spara palle elettriche, invece, è roba da adulti.

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ModNation Racers è, in due parole, Mario Kart + Trackmania + Little Big Planet. Ovvero: corri su dei kart, crea le tue piste o scarica quelle create dagli altri giocatori, crea il tuo pilota e kart o scaricane di già fatti. Diciamolo fin da subito: l’editor è bellissimo, semplice ma profondo, permette facilmente di creare piste complesse. Il problema è che tutto ciò non dà molto valore aggiunto. Forse sarà un limite mio, ma il gioco ha così tante piste di qualità fatte dagli sviluppatori che non ho un gran interesse a giocare quelle degli utenti o a crearne di mie. Molto più divertente creare piloti e kart ma, in definitiva, togliamoci di torno la parte creativa: è tutto ben fatto, però il fulcro del gioco non sta lì.

Il motivo per cui mi intristisce che ModNation Racers sia così sottovalutato è che è un gioco di corse dannatamente divertente. Il modello di guida è molto, molto ben fatto. I kart sono semplici da guidare ma richiedono ottimi riflessi per essere sfruttati al meglio. L’inclusione di armi, turbo e acrobazie dà uno spessore strategico che non ti aspetteresti da un gioco del genere. Le piste sono così ben fatte che in più di un’occasione mi sono incaponito a giocare ai time trials tentando di tagliar via secondi dai miei giri, che è una cosa che faccio raramente nei giochi di guida. La modalità online è solida e appassionante.

Quindi, perché nessuno ne parla e addirittura si spendono parole per giochi mediocri come Split Second? Sinceramente, non ne ho idea. Ma se vi capita giocate a ModNation Racers perché merita.

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E, proprio a proposito di Android, Google sta per lanciare un servizio che potrebbe essere la carta vincente contro iPhone, iPad e iFart: App Inventor. Tramite un’interfaccia grafica che non richiede alcuna conoscenza di programmazione sarà possibile sviluppare app per Android. Tutte le funzionalità del sistema operativo (e quindi dell’hardware su cui gira) saranno disponibili agli utenti di App Inventor. Sarà possibile quindi sfruttare fotocamera, gps, sensori di movimento, chip grafico e così via. E di conseguenza si potranno anche sviluppare giochi. Certo, magari non ci farete un FPS in 3D con motion blur e normal maps, ma suppongo che qualcosa di carino uscirà fuori da App Inventor anche in campo videoludico.

L’interfaccia funziona utilizzando dei blocchi, che possono essere istruzioni, comandi o file. Combinando i blocchi (ad esempio unendo il blocco “se il bottone viene premuto” al blocco “esegui scoreggia.wav“) si creano input e output dell’applicazione. Questo sistema, chiamato Open Blocks Java Library, è stato sviluppato dal MIT.

Gli inviti per il servizio cominceranno a essere distribuiti nelle prossime settimane. Al momento si può solo richiedere l’adesione al progetto a questo indirizzo. Naturalmente sono curiosissimo di provare App Inventor. Non ho neanche uno straccio di idea su cosa farci, ma l’idea di creare la mia personalissima applicazione è allettante.

Grazie a Michele, cui ho rubato l’immagine in questo post.

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Nell'immagine, autoritratto di Davide Pettani mentre parla in inglese.

Ho sempre avuto una certa passione per la sottolineatura dell’ovvio. Per questo motivo, vi annuncio la nuova veste grafica di Single Player Coop. È esattamente quella che vedete in questo momento e che avete visto negli ultimi giorni. Dovrebbe trattarsi di una versione semidefinitiva, quindi fateci l’abitudine (forse).

Il nuovo logo è opera di Davide Pettani, uno dei migliori illustratori che io conosca. Oltre a strappare Single Player Coop dalla bruttezza estetica, Davide fa illustrazioni per siti, videogiochi, libri e c’ha un curriculum che veramente non mi spiego com’è che ci ha fatto il logo.  Potete seguire Davide sul suo blog.

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Una delle cose più struggenti dell’infanzia è che quello che scopri durante quegli anni ti rimane dentro per sempre. Non proverai mai più sensazioni così forti guardando film, leggendo libri o giocando videogiochi. A quell’età un libro/film/gioco può coinvolgerti e cambiarti come mai più potrà in età adulta. E, inutile a dirsi, non hai neanche un grammo di cinismo, a quell’età. Nulla sa di “già visto”.

Monkey Island 2 è una delle ragioni per cui amo i videogiochi. Quando lo comprai – scegliendolo perché mi piaceva l’illustrazione della copertina; vedi a volte il caso – non avevo mai giocato un’avventura grafica. In precedenza avevo giocato parecchie avventure testuali, ma nessuna avventura in stile Lucas-Sierra. Chi non ha vissuto quegli anni difficilmente può capire l’impatto di una scoperta simile. Monkey Island 2 mi mostrò cosa potevano essere i videogiochi.

Solo L’Isola del Tesoro di Stevenson aveva fino a quel punto acceso in modo così vivido la mia fantasia. Sì, Monkey Island 2 sarà pure una parodia delle tipiche storie di pirati, un gioco umoristico, eppure per me Scabb, Booty e Phatt sono territori epici tanto quanto lo era la Malesia di Salgari per mio padre.

Quindi… questa Special Edition com’è? Lasciando stare la nostalgia del “l’originale è insostituibile” e blablabla, questo remake non è ciò che avrebbe potuto essere. La colonna sonora è la migliore rielaborazione delle melodie originali che potessero fare (a proposito: qualcuno sa se metteranno in vendita la OST?). Il nuovo sistema di controllo è praticamente perfetto e snellisce il gioco senza far perdere alcuna profondità. Il doppiaggio fa il suo dovere, e il commento di Tim Schafer, Dave Grossman e Ron Gilbert è roba che per un appassionato vale il costo del gioco.

Eppure… La nuova grafica è una merda, senza appello. Lo stile visivo di Monkey Island 2, tanto negli artwork di Steve Purcell che nella grafica durante il gioco, era originariamente vagamente realistico. I personaggi non avevano quasi mai prporzioni corporee deformate e le ambientazioni erano fumettistiche nelle forme ma realistiche nella colorazione e nelle ombre. Del resto, lo stesso Guybrush era sì scemo, ma anche belloccio.

La Special Edition, invece, trasforma le ambientazioni originali appiattendole in uno stile dai colori pastello e, ancora peggio, rovina i personaggi. Guybrush prende le fattezze allampanate che aveva nel terzo episodio. Gli altri personaggi, con qualche eccezione (un buon LeChuck e qualche ottimo personaggio secondario) hanno tutti ricevuto il trattamento deformante da serie di Cartoon Network. Questo stile funzionava bene nel terzo episodio e nella serie di Telltale. Applicarlo a Monkey Island 2 vuol dire distruggere il carisma visivo del gioco.

Un remake che intacca il meglio di Monkey Island 2, ovvero il fascino dell’ambientazione, è un po’ un fallimento. Eppure anche in questa incarnazione MI2 rimane un gioco da giocare assolutamente, sia per i veterani sia per i novellini. Gli enigmi forse sono invecchiati un po’ male: ogni puzzle richiede di fare avanti e indietro fra ambientazioni lontane tra loro, e un paio di enigmi sono brutalmente illogici e difficili per gli standard odierni. Ma nonostante tutto Monkey Island 2 contiene comunque puzzle fra i più belli e fantasiosi della storia del videogioco.

Tolti i viaggi nella memoria e le fantasie di un bambino, Monkey Island 2 Special Edition merita di essere acquistato. Anche perché potrebbe incoraggiare Lucas a… ehi, ma quel quadro nella casa del governatore di Phatt Island non raffigura il protagonista di Grim Fandango?

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