E invece no, tonnellate e tonnellate di immondizia digitale (complice -presumo- l’assenza completa di filtri qualitativi applicati a monte) si accumulano senza un perché negli interstizi del Live.

Più o meno ogni era geologica, però, qualcosa di buono viene pubblicato; peccato che nessuno se renda conto, dato che la pubblicazione di nuovo materiale nella sezione Indie non viene segnalato praticamente da nessuna parte. È quindi una fortuna che Vorpal, interessante maniac shooter 1vs1 (!) non sia passato inosservato allo staff della sempre ottima RetroGamer, che nell’ultimo numero ha opportunamente segnalato il titolo con un’interessante intervista al minuscolissimo (tipo tre persone) team di sviluppo, Red Wolf.

Un po’ Cave, un po’ Project Touhou (sul quale, promesso, prima o poi scriverò uno speciale ) e un po’ figlio di una mignotta, Vorpal offre al giocatore, in cambio di 80 miseri MP, una pregevole rivisitazione del genere più autistico di sempre, grazie ad una struttura boss-only e a meccanismi di scoring pescati qua e là ma amalgamati con la sapienza di chi sui padri putativi del genere ci ha speso parecchio tempo.

Altro che droga: dieci minuti a Vorpal e diventate scemi (e ciechi)

Peccato solo per l’infelicissima scelta cromatica (vedi screenshot) che, per quanto esteticamente accattivante, affatica pesantemente l’occhio, già messo alla prova da volumi e pattern di fuoco ben al di sopra dei livelli di guardia. A corredo del tutto, la solita trama subumana da anime di quart’ordine e la colonna sonora più zingara (per usare un termine caro al Dr.Manhattan) di tutta la storia dei videogiochi. Davvero, eh.

Ouch!

E’ facile montare un trailer per un videogioco, specie se di azione: si prende qualche fase di gioco particolarmente concitata, la si mischia con scampoli di cut-scene tanto per far capire che -ohi! c’è anche una storia, eh!- e si sovrappone al tutto una musica un pò sciatta, un pò malinconica, un pò di pianoforte.

Meno facile, anzi visto l’andazzo direi fottutamente impossibile, è montare un bel trailer per un videogioco. Incredibile ma vero, i tizi di Techland ci sono riusciti. Ora, da bravi nerd che siete, con ogni probabilità avrete già visto e rivisto il trailer di Dead Island (in rete è qualche giorno che non si parla praticamente d’altro). Ma a noi di Single Player Coop piace andare sul sicuro ed è quindi con malcelato entusiasmo che vi (ri)proponiamo quella che è una piccola gemma di inventiva, esecuzione e figaggine. Buona visione.

Kinect: piace anche alle minoranze etniche!

Ci sono due modi per descrivere Kinect, uno positivo e l’altro negativo. A voler essere buoni Kinect è il metodo di controllo che ti fa sentire dentro il videogioco. A voler essere cattivi, usando Kinect si sembra cretini. Secondo voi quale messaggio mandano questi nuovi spot creati da Microsoft per Kinect? Oltre a riutilizzare il trucchetto “inquadriamo i giocatori e non i giochi” già usato da Nintendo e a dare a tutto un’aria da spot iPhone, naturalmente.

Partiamo dal peggio. Perché, diciamolo subito, a prescindere dal prodotto in sé qui non troverete nessuna idea pubblicitaria degna di nota. Niente, insomma, di paragonabile a Kevin Butler alle prese col Move. Questo spot che trovate qui di seguito è piuttosto un pregevole esemplare di mediocre idiozia pubblicitaria. Il messaggio sembra essere solo “sembrare cretini è divertente. Ahahahahah”. E la reclame in effetti contiene cose buffissime come impiegati giapponesi e adolescenti cinesi sovrappeso. Ahahahah.

Il secondo spot usa una tecnica che potrebbe farvi esplodere gli occhi tramite una assurda vibrazione dell’immagine. Non so perché lo fanno. Non lo so, davvero. Ma vorrei tanto che non lo facessero.

Se dopo la visione della seconda pubblicità non siete preda di un attacco epilettico potete gustarvi il terzo spot di Kinect, in teoria il migliore. Dico in teoria perché in realtà questa pubblicità di Kinectimals è quanto di più sdolcinato e cinico possa esserci. Ogni volta che un prodotto usa i bambini per vendere, un pezzo della mia anima muore.

A primissima vista, Vanquish appare sostanzialmente come quello che sarebbe stato Gears of War se CliffyB avesse lavorato per Sega AM2 durante gli anni’90. In realtà, bastano davvero due-tre tornate alla demo per capire come, sotto la corazza da third-person shooter, farcita con i consueti meccanismi di copertura, batta non solo un cuore dannatamente arcade ma molto, molto di più.

In quest’ottica, la relazione con Bayonetta non è solo di parentela: in entrambi i titoli l’impressione che si ha, una volta destreggiate le basilari meccaniche di gioco, è quella di avere a che fare con un perfetto meccanismo ad orologeria la cui azione sottende, invisibile quanto efficace, al tripudio di sopraffino gameplay e sanissimo divertimento sparato a schermo. Se, dopo mesi di cut-scene condite da dialoghi yawn e gameplay annacquato avete voglia di dare una svegliata allo spirto guerrier ch’entro vi rugge, Vanquish sembra fare davvero al caso vostro. Come se non bastasse, è il trionfo definitivo del design nipponico su quello occidentale anche sotto il profilo estetico: via, bolsi space-marine grigi nell’aspetto e nell’anima, e benvenute corazze scintillanti, luci, colori, esplosioni, puttanone dell’est deputate all’intelligence, sigarette consumate tra una copertura e l’altra, armi fottutamente giganti e chi ne più ne ha, davvero, più ne metta.

Dopo Bayonetta, Vanquish sarà probabilmente il prossimo titolo con cui vi triteremo le balle fino allo sfinimento

Benchè inizialmente possa sembrare un pò congestionato dalla notevole quantità di azioni disponibili, il sistema di controllo di Vanquish vi farà sciogliere letteralmente il pad tra le mani già dopo i primi minuti di gioco, complici dei comandi tra i più reattivi di sempre, tanto che non sfigurerebbero nel più frenetico degli action-games. La mole di fuoco nemico, invero abnorme per chi è abituato alle sparatorie soft-core di Gears of War & compagnia triste, è ben compensata da una notevole resistenza ai colpi del tamarrissimo protagonista e da una nutrita pletora di possibilità di evasione, tra cui spicca senza dubbio l’ignorantissima “scivolatona”, ovvero la cosa più bella successa al videogame dopo il salto di Super Mario e il culo di Bayonetta. Come nella migliore delle tradizioni, l’abuso di tali manovre è (fortemente) limitato dalla stamina della propria armatura: l’insistere con scivolatone e bullet-time (si, Mikami ha incluso pure questo, come se il gioco non fosse già figo abbastanza) vi lascerà probabilmente scoperti e alla mercè dei tre miliardi di proiettili giust’appunto lanciati al vostro indirizzo.

Normalmente, non mi piace parlare in modo esclusivamente positivo e entusiastico di qualcosa, men che meno di un videogioco. Vi assicuro però che in questo caso, per quanto mi possa sforzare, non riesco davvero a notare nulla di poco convincente in Vanquish. Anzi no, qualcosa di brutto effettivamente c’è: il font usato per il titolo del gioco non si può davvero guardare.

Day-one sicuro come la morte e probabile, probabilissimo GOTY per il sottoscritto.

Intendiamoci, non si tratta di una critica. Alan Wake mi sta piacendo non poco e, se si deve essere derivativi, meglio prendere spunto dall’opera di Stephen King che dagli abusatissimi Guerre Stellari o Tolkien. Tuttavia, c’è un problema di fondo. L’atmosfera tutta particolare dei libri e dei romanzi di King esiste su carta per delle precise ragioni: lo stile colloquiale, apparentemente leggero e diretto, viene creato sulle lunghe distanze. Stephen King è prolisso, molto prolisso; lui stesso non perde occasione di prendersi in giro per i suoi romanzi da ottocento pagine. Eppure non si tratta necessariamente di incontinenza creativa né di arroganza. King costruisce personaggi e atmosfere dialogo dopo dialogo, dettaglio dopo dettaglio. La confidenza del lettore coi protagonisti viene costruita con una cura da artigiano nel corso di decine e decine di pagine. IT non sarebbe ciò che è senza le lunghe e dettagliate descrizioni dell’infanzia dei protagonisti. L’Ombra dello Scorpione non sarebbe una delle più potenti descrizioni della fine del mondo senza tutti i personaggi secondari e i punti di vista che compaiono ed escono subito dalla storia senza un’apparente peso nell’economia della narrazione.

Il problema della storia di Alan Wake, insomma, è che non può permettersi il lusso di essere come le storie di Stephen King, e per questo motivo non riesce mai a sembrare altrettanto naturale. Alan Wake adotta l’approccio sobrio della maggior parte dei titoli attuali: filmati e dialoghi sono concisi e si alternano all’azione senza sbrodolamenti kojimiani. Eppure qui sta il più grande limite, perché i personaggi saranno anche interessanti, ma si ha sempre l’impressione che debbano dare il maggior numero di informazioni nel minor tempo possibile: tutto è sincopato.

Non che si tratti di una peculiarità di Alan Wake: praticamente tutti i giochi con una componente narrativa soffrono di una certa “compressione”. Alcuni utilizzano stratagemmi intelligenti per ovviare al problema, come nel caso di Uncharted 2: lo stile di quel gioco e di quei personaggi ben si presta a veloci scambi di battute e continui cambi di ritmo. Nella maggior parte dei casi, però, rimane sempre quella sensazione di ritmo leggermente sbagliato, di avvenimenti che si susseguono a velocità troppo alta.

Grazie al cielo sono passati i tempi in cui la qualità di un gioco si misurava nella lunghezza delle cut-scene ma, quando si tratta di una trama più riflessiva, come quella di Alan Wake, si ha la sensazione di correre troppo. I personaggi entrano nella storia e ne escono fuori dopo appena una manciata di scene: mi sarei anche affezionato a (omissis – niente spoiler), ma il gioco non me ne ha dato il tempo.

A volte questo problema coinvolge altri media. Quasi tutti i film tratti dalle opere di King, ad esempio, falliscono nell’intento di riprodurre in forma visiva lo stile dello scrittore americano. E, quando ci sono trasposizioni di qualità, come The Shining, si tratta di film che deviano fortemente dalla trama del libro da cui sono tratti.

Ma se i film, in genere, hanno trovato il modo di raccontare in breve tempo e con efficacia, i videogiochi si stanno ancora scontrando con i limiti dell’economia narrativa. Le cut-scene devono essere usate nella maniera più efficiente possibile, sia perché c’è sempre il terrore di annoiare il giocatore, sia perché, letteralmente, ogni secondo di un filmato costa soldi.

Eppure fuori dai videogiochi sembra che stia andando sempre più verso storie ampie e approfondite. I film diventano sempre più lunghi (difficile trovarne sotto le due ore), così come i romanzi (difficile trovarne sotto le duecento pagine). In fondo siamo negli anni d’oro delle serie TV: I Soprano, The Wire o Lost hanno creato storie e personaggi adorati dal pubblico grazie anche al tempo a disposizione.

Il detto siciliano “u cuntu nun metti tempu” (“il racconto non mette tempo”), riportato da Italo Calvino in Lezioni Americane, veniva usato nei racconti orali per indicare salti cronologici o intervalli di tempo, ed era una maniera di asciugare i racconti, di portarli all’essenziale. Calvino lo citava come un esempio positivo dell’asciuttezza e dell’efficacia dei racconti orali. Lo stile narrativo odierno, però, è fatto di racconti fatti per respirare, per costruire le relazioni fra i personaggi e lo spettatore/giocatore/lettore lentamente, passo dopo passo. I videogiochi, in larga parte, non hanno ancora trovato il modo fare tutto questo, nonostante in teoria durino molto più di un film. Hanno ancora la secchezza di un racconto orale, ma tentano di essere storie contemporanee. Sono fiabe, e potrebbero essere romanzi.

E quindi Alan Wake, nonostante sia palesemente il frutto di un’enorme cura per l’atmosfera e la trama, è in qualche modo una riduzione un po’ monca dello stile kinghiano. Ma anche solo il fatto che arrivi vicino a quell’obiettivo è un gran traguardo per il videogioco.

Le foto in questo post sono state scattate dal sottoscritto vicino al posto in cui vivo, alla periferia di Stoccolma. Basta usare un’app sul proprio smartphone e vivere vicino a un bosco e a un lago per rendere inquietante anche la rassicurante periferia di una grande città europea.

Il gioco è sviluppato dagli svedesi Southend Interactive. Come si addice alla tradizione scandinava di giochi piccoli, intelligenti e fottutamente affascinanti, ilomilo ha un aspetto grafico che se non vi piace, ve lo meritate, Modern Warfare. Il gioco è un puzzle-platformer come da copione delle produzioni indie: nei panni di due pupazzetti puccettosi bisogna muoversi in dei livelli risolvendo puzzle ambientali in 3D. I protagonisti, ilo e milo, possono manipolare l’ambiente spostando e modificando i cubi che compongono i livelli. Lo scopo di ogni livello è riunure i due puccettosi personaggi. Il trailer, che vedete qui sotto, mi ha ricordato in parte Crush, in parte Kula World (sviluppato anch’esso da uno studio svedese) in parte un’overdose di carineria.

Ad aggiungere fascino a un gioco che già mi esalta non poco ci si mette anche un minigioco in stile 8-bit da sbloccare nel gioco principale (anch’esso mostrato nel trailer) e le cutscene che utilizzano fotografie di pupazzetti di stoffa realizzati appositamente.

Il gioco uscirà su XBLA e su Windows Mobile entro quest’anno – o almeno, così promettono gli sviluppatori. Che il 2010 sia l’anno dei giochi piccoli, carini e intelligenti?

via Freddy Nietzsche

Non si sa molto di Costume Quest, se non che i protagonisti sono dei bambini e il gioco è ambientato durante Halloween. Cambiando costumi ci si trasformerà in creature fantastiche, un pò come succedeva in quella puntata di South Park in cui i bambini giocano a fare i ninja (e in cui Butters ci rimette un occhio). Sembra che il gioco sia una sorta di avventura/RPG: a giudicare dalle immagini i combattimenti ricordano addirittura un JRPG, con tanto di nemici e personaggi dei giocatori disposti in fila.

Il tutto sarà presumibilmente condito con l’umorismo tipico schaferiano. Anche se sono uno di quelli che hanno amato Brutal Legend e avrebbero voluto vederne un seguito, non posso che applaudire l’arrivo di un progetto originale da parte di Double Fine. Soprattutto se, come Costume Quest sembra suggerire, si intravede un’atmosfera simile a quella di Psychonauts.

La risposta potrebbe risiedere nella qualità/quantità “lorda” di materiale ludico scelto da Take2 per la demo: qualche stralcio di storyline e dieci minuti (cronometrati) di possibile, ma non certo incoraggiato, cazzeggio per la città fanno da cornice ad una missioncina-ina-ina in cui, in compagnia di due loschi figuri, dovrete mettere a tacere un non-meglio-caratterizzato “ciccione”. Tutto qui. Non esattamente interessante o coinvolgente, insomma.

Oppure, la risposta potrebbe risiedere nella dinamica delle sparatorie: introdotto di peso il cover-system (e nel 2010 non poteva certo essere altrimenti) à la GTA IV, Mafia II non fa però nulla per elevarne la staticità, togliendo anzi alcune variabili dall’equazione globali degli scontri a fuoco (la possibilità di sparare senza uscire dalla propria copertura, ad esempio). Il risultato è una sostanziale diminuzione del ritmo e della godibilità degli stessi, complice un’ IA dei nemici qualche gradino sotto la sufficienza. In poche parole, Mafia II non sembra essere un buon gioco di sparare, ecco.

Oppure, potrebbe essere colpa di un modello di guida che ridefinisce il concetto di “legno”. Oppure, più semplicemente, del fatto che ‘ste storie coi mafiosi un pò hanno rotto il cazzo. La verità è probabilmente una mistura di tutte queste osservazioni, riassumibili nel seguente, soggettivissimo verdetto: superfluo. Mafia II bocciato in toto, quindi? No, ma decisamente rimandato alla prossima stagione di supersconti su Steam.

C'era una volta un bambino in un bosco...

Limbo comincia in un’ambientazione fiabesca, con un bimbo che si sveglia in un bosco buio e ostile. Chiunque abbia letto delle fiabe sa che un’ambientazione fiabesca non vuol dire animali puccettosi e fatine allegre: vuol dire bambini che si confrontano con la morte, mostri e un generale senso di oppressione. Fino a una settantina di anni fa gli adulti non erano così stupidamente iperprotettivi nei confronti dei bambini: sapevano che le fiabe sono un modo di spiegare e presentare le paure, e che lupi, orchi o boschi non sono altro che metafore della morte.

In Danimarca, poi, c’è una solida tradizione di scrittura di storie per fare cacare sotto i bambini. Del resto, è la patria di Hans Christian Andersen. E Limbo, dei danesi Playdead, continua questa tradizione: in Limbo c’è la stessa sensazione di mistero che si trova in molte fiabe classiche. Il bambino di Limbo affronta pericoli, nemici e ambientazioni ostili in un silenzio quasi totale. Non ci sono dialoghi e quasi nessuna musica; c’è un bianco e nero suggestivo come si è visto in pochissimi videogiochi. C’è narrazione, e non vi dico di più perché ve la dovete gustare da soli. Ma è una narrazione suggerita più che spiegata. Niente cerebralismi e complesse simbologie alla Braid, però: qui siamo dalla parte dei primi due Oddworld o di Another World, non a caso veri e propri padri putativi anche delle meccaniche di Limbo.

Come nei classici di cui sopra, si corre da sinistra verso destra, ci si arrampica e si interagisce con l’ambiente. A rinfrescare le meccaniche di una decina d’anni ci pensa la simulazione fisica e l’intelligenza del level design fa il resto. Gli enigmi ambientali sono raffinatissimi, naturali e difficili esattamente il giusto. A volte si impara morendo (con delle animazioni di morte deliziosamente sconcertanti), ma è tutto mitigato dal fatto che si ricomincia a pochi metri di distanza.

Limbo vincerà non pochi premi come gioco scaricabile dell’anno. È breve e intenso: un gioco per videogiocatori pensanti. E per chi, da bambino, si è domandato cosa si provi a svegliarsi e trovarsi soli in un bosco, circondati di ombre e silenzio…

Il finale del primo capitolo non può mancare per nessun motivo

Recentemente ci siamo abbracciati stretti, ci siamo voluti tanto bene e abbiamo gioito insieme alla notizia che vuole Telltale Games al lavoro su una serie di videogiochi tratta da Ritorno al Futuro. Quello che forse non sapete ancora è che Telltale desidera ardentemente le vostre idee/opinioni/gusti in merito alla serie più epic win di sempre. Per accontentarli, vi basterà rispondere all’apposito questionario.

Ora, nonostante i più maliziosi penseranno già che la cosa sia sintomatica del timore reverenziale con cui Telltale si sta avvicinando alla serie (e soprattutto ai suoi fan, caratterizzati dalla medesima tolleranza di un dittatore centrafricano) , personalmente non ci vedo nulla di male nell’informarsi a fondo su ciò che i fan effettivamente si aspettano dal tie-in più “delicato” di sempre.

Poco sorprendentemente, il questionario risulta intelligente, ben congegnato e contiene quattro piccoli abbozzi di sceneggiatura che potrebbero costituire parte di quello che andremo a giocare. E si, dal poco che ho letto il tutto sembra che si stia sviluppando dannatamente bene. Incrociamo le dita e accendiamo il flusso canalizzatore, voi intanto sapete quello che dovete fare.